sábado, 11 de mayo de 2013

Respuestas de estudio de Textos Filosoficos




Respuestas de trabajo Textos Filosoficos
R= El saber de la vida diaria guiado por nuestros instintos y necesidades.
R= Cuando el pensar logra hacer un juicio de certeza en calida de asomo a la verdad.
R= Sirvienta: Sentido común.
R= significa “templar el acero” para romper su rigidez sin afectar su resistencia.
R= Es la comprensión abarcadora que da un sentido a los conocimientos en relación con nuestra existencia.
R= Es una simplificación o síntesis mental de una pluralidad o diversidad de objetos
R= Primer momento es la contemplación reflexiva, segundo es el filosofar o actitud de fundamentar todo saber y tercera el momento que aparece como orden de conocimientos.
R= En el momento en que despierta nuestra conciencia contemplativa.
R= En comprometerse con el perfeccionamiento que le reclama el mundo.
R= Son los conocimientos ya logrados y ordenados por otros filósofos o también los conocimientos adquiridos y establecidos en una determinada época.
R= Heraclito.
R= Es el quehacer mas propiamente humano porque nace de un saber universal cuya actitud de contemplación reflexiva esta orientada hacia la fundamentacion intelectual de todo saber, produciendo un orden particular de conocimientos.
R= Es el quehacer humano que consiste en la actitud de observar y experimentar dentro de un orden particular de conocimientos, organizándolos sistemáticamente mediante determinados métodos a partir de un núcleo de conceptos o principios básicos que tienden hacia un saber de validez universal.
R= cosas sobre las cuales proyectamos nuestra conciencia?
R= Facultad de nuestra conciencia en virtud de la cual podemos conocer
R= Proyectar la conciencia hacia algo.
R= Es un supuesto o conocimiento previo
R= redirigir la atención hacia un objeto
R= Todos los seres existentes habidos y por haber se halen presentes o no ente nuestros ojos.
R= Es el limite en el campo de comprensión científico según su propia especialidad.
R= Inducción.
R= Experimento
R= Descubrimiento científico.
R= Objeto de conocimiento científico.
R= Sujeto cognociente.
R= Horizonte de comprensión trascendental.
R= Modelos científicos
R= Leyes científicas
R= Hipótesis científica
R= Zona de interes intelectual.
R= El saber basado en la contemplación de los primeros fundamentos y causas.
R= ontos:”ser” Logos: “tratado” el tratado del ser.
R= Fue el saber acerca del ser.
R= Un principio que diera sentido a todas las cosas, aquello en lo cual todas las cosas consisten.
Anaximenes: Sostenía que el aire es el verdadero primer fundamento.
Anaxagoras: Decía que todas las cosas que son como el fuego y el agua las rigen las homeomerias.
Empedocles: Admitió 4 fundamentos agua, tierra, aire y fuego.
Anaximandro: Sostenía que el fuego es el primer fundamento.
Heraclito de Efeso: Decía que el ser fundamental permanente es el agua.
R= Según Aristóteles fue el asombro.
R= El saber del bien unido a la belleza.
R= Es un vocablo que señala hacia la virtud o sentido de perfeccionamiento.
R= Consiste en conferirle un alma a las cosas.
R= Por haber concebido en su Teogonía un principio ordenador unificarte, que es el que al expandirse produce el mundo, que ya se orienta hacia la búsqueda de la esencia del ser.
R= Pensó que la totalidad de las cosas tiene su fundamento en el apearon o sea lo infinito.
R= Decía que todo tiene su fundamento en el numero concebido como unidades dentro del espacio.
R= Como un movimiento con interrupciones con suspensos que se alargan y se acortan creando una tensión.
R= Ambos son la base del despertar espiritual de los primeros filósofos griegos.
R= Del Ser
R= Observar
R= Coherencia, unidad, reunión o armonía de las cosas en el mundo.
R=Cambio permanente gobernado por el logos o la razon.
R= Armonía
R= Era para ellos la verdad metafísica
R= Porque no ofrece dudas es pareja por donde quiera que se le contemple.
R= Es el camino que lleva a la captación del ser.
R= Saber común y práctico de la vida ordinaria, ve el devenir:

Cuestionario de Trabajo Textos Filosoficos




TEXTOS FILOSÓFICOS
¿Que es el saber común?
¿ A que llamamos sentido común?
¿Que tipo de saber se encuentra en el párrafo de Platón que se refiere a Tales de Mileto y a su sirvienta?
¿ Cual es el significado de contemplar?
¿Qué es saber?
¿Que es conocer?
¿En que consiste la directriz de filosofía señalando sus tres momentos?
¿Que se entiende por amanecer espiritual?
¿ En que consiste la libertad del filoso?
¿ Que entiende por filosofías?
¿Quién dijo que la multiplicidad se conocimientos no proporciona sabiduría?
¿Que es la filosofía?
¿Que es la ciencia?
¿Que es un objeto?
¿Que es el intelecto?
¿Que es la intencionalidad de la conciencia?
¿Que es la hipótesis?
¿Que es reflexionar?
¿Qué es una cosa?
¿ Que es el horizonte de comprensión científica?
Método en que la inteligencia humana va de lo particular a lo general.
Es la observación de un fenómeno de la naturaleza en condiciones susceptibles a ser medidas matemáticamente:
Es un dato plenamente nuevo hacia lo cual todo investigador proyecta sus observaciones y experimentos:
Es aquello hacia lo cual todo investigador proyecta sus observaciones y experimentos.
Aquella persona que dirige su atención hacia cualquier tema o problema:
Sentido diverso que cada científico le otorga al fenómeno según el punto de vista de su propia especialidad:
Imágenes previas construidas matemáticamente que habrán de servir de esquema o guía para la experimentación.
Son los conocimientos que han dejado de ser hipótesis y permanecen validos al someterlos a las pruebas de observaciones y experimentaciones.
Son los conocimientos previos que supone el científico antes de experimentar:
Es aquella región del conocimiento que nos interesa especialmente.
Escriba la definicion de filosofia que da aristoteles:
¿Qué significa la palabra ONTOLOGIA?
¿Cual era el problema mas importante para los primeros pensadores griegos?
¿Que pensaban los primeros filósofos acerca del ser según informa Aristóteles?
¿Cuál es el punto de vista de la filosofía griega según Aristóteles?
¿Que quiere decir la palabra griega frònesis?
¿ Que quiere decir la palabra griega aretè?
¿ En que consiste el carácter animista de la religión griega?
¿Por qué se considera a Hesiodo como precursor de la filosofía?
¿ Que solución le dio al problema antológico Anaximandro?
¿ Que solución le dio al problema ontologico Pitágoras?
¿Cómo concebimos el ritmo cuando participamos en una actividad artística?
¿Qué importancia tienen la religión y el arte griego como trasfondo de la filosofía?
Las nociones de fuego, logos y verdad implican e el pensamiento de Heraclito la noción de:
La naturaleza aparece como disparidad o desorden de cosas cuando nos situamos ante ellas en actitud de:
Cuando los filósofos griegos contemplaban la naturaleza la concebían como:
En Heraclito devenir tiene el sentido de:
La frase de Heraclito “ acople de tensiones es el mundo como el del arco y la lira” Implica el sentido de:
¿Que entendían los griegos por aletheia?
¿Porque Paramides llamo a la verdad “Bien redonda”?
¿Que es la epireme?
¿Qué es la doxa?

sábado, 20 de abril de 2013

Respuestas


Es la aplicación de colores sobre una superficie
Estimula la fantasía
Fue uno de los representaste más destacados de la tradición académica
La idealización del enigma femenino
Un gran amor por la vida
El perro en el centro de la habitación
El reino Apacible de Edward Hicks
Paisaje Imaginario de Duran
Objetividad
La luminosidad
El detallismo exuberante en la composición
Exageración
Representación de una costumbre
Es la distorsión de la forma y el color para lograr una manifestación emocional
El movimiento agitado de los trazos, que revela un mundo subjetivo
Su elegancia y sutileza expresadas en su vertiginosa brillantez
Deformación de las figuras
El empleo de tonalidades irreales
Los niños responden de forma natural a los valores psicológicos de los colores y las formas
El espacio ultraterreno a base de formas confusas y luces mágicas
El aspecto de retraimiento de la virgen
El marcado naturalismo en la escena
La disposición de los objetos considerándolos como formas expresivas
La configuración cúbica de la composición
El manejo libre de formas
Fomentar el análisis
Líneas y superficies planas
La maestría para armonizar tema y abstracción
El equilibrio de líneas curvas
Utilizar un dibujo simétrico
Emplear tres áreas luminosas
Combinar la línea y la forma
El triángulo
Captar un momento de gran dramatismo de la vida de Cristo
Líneas horizontales, verticales y diagonales
La cima del triángulo central

CUESTIONARIO DE TRABAJO APRECIACION ESTETICA DE LA PINTURA


1.Cual es la definición más simple de pintura según su libro de texto
2.Una característica de la pintura romántica es que
3.Elija la opción que menciona un aspecto importante de la vida de Jean Auguste Dominique Ingres
4.Según su libro de texto el significado verdadero del cuadro Monna Lisa de Leonardo Da Vinci (lám.6) es
5.Que aspecto de la personalidad de Renoir se refleja en Madame Renoir (lám.3)
6.En la pintura “El matrimonio de Giovanni Arnolfini” de Jan Van Eyck (lám.10), la imagen que representa la lealtad que debe existir entre los esposos es
7.Cuál de los siguientes cuadros contiene una alegoría sociológico y etnológico
8.Elija la opción que señale un ejemplo de pintura romántica
9.Según su libro de texto, una característica de la pintura realista es
10.Elija la opción que señala un elemento expresionista del cuadro “El violín amarillo” de Dufy (lám.14)
11.Qué aspecto del realismo medieval se observa en “San Francisco recibiendo los estigmas” de Van Eyck (lám.16)
12.Rasgo típico del realismo Barroco es
13.Un aspecto realista e la obra “En la barca” de Manet (lám.23) es
14.Elija la opción que contiene la definición de expresionismo pictórico
15.Serían varios elementos del impresionismo.Uno de los más sobresalientes es
16.Un rasgo sobresaliente de “Cristo en Getsemaní” de El Greco (lám.26) es
17.Entre “La Noche estrellada” de Van Gogh (lám.25) y “Cristo en Getsemaní” de El Greco (lám.26) existen recursos similares en su composición,Uno de ellos es la
18.En “Dos damas en la calle” de Kirchner (lám.30) la situación de trauma y la melancolía que imperó en Alemania hacia 1922
19.Elija la opción que menciona una razón para considerar a la pintura infantil como expresionista
20.Que elemento expresionista se puede apreciar en el cuadro “Cristo en la Cruz” (lám.34) de El Greco
21.En “La Anunciación” de Simona Martini (lám.31) un elemento expresionista lo constituye
22.Entre las características que impiden considerar a “Cristo en la Cruz” de Ruben (lám.33) como una obra expresionista está
23.Elija la opción que menciona una característica de la pintura abstracta
24.Elija la opción que menciona una característica del cuadro “El artista en su Estudio” de Vermer (lám.37)
25.Se considera que en cuadro “El estudio” de Picasso (lám.38) hay abstracción principalmente por
26.En el expresionismo abstracto el pintor tiende fundamentalmente a
27.Una característica distintiva de una composición bidimensional es que el pintor ejecuta su obra a base de
28.Qué aspecto sobresaliente del arte oriental se puede apreciare n la estampa “Actor Danzante” dek pintor Kiyotada (lám.54)
29.Elija la opción que mencione una característica del cuadro “La dama vestida de azul” de Henry Matisse
30.Elija la opción que menciona el recurso de composición empleado por Holbein para reflejar el carácter de “Anne de Cleves” (lám.56)
31.Qué recurso de composición utilizó Holbein el Jóven para captar la personalidad de “Cristina de Dinamarca” (lám.55)
32.Se considera que el cartel “Aristide Bruant en su cabaret” de Toulouse Lautrec (lám.60) es una obra de arte por la habilidad de su autor para
33.Qué forma geométrica fundamentalmente empleó Leonardo Da Vinci en la composición “La última cena” (lám.61)
34.Cuál fue el propósito fundamental de Leonardo Da Vinci al pintar “La última cena” (lám.61) según su libro de texto
35.Uno de los elementos empleados por Poussin para estructurar la composición de “El rapto de las Sabinas” (lám.63) fue combinar
36.En una composición triangular como retablo “La crucifixión con santos” de Perugino (lám.64) el punto focal se localiza en...

miércoles, 10 de abril de 2013

Metodologia de la Lectura.


METODOLOGIA DE LA LECTURA.
El libro sirve para:
·         Acrecentar experiencias
·         Conocer al hombre y a su cultura
·         Despertar conciencia
·         Estimular la imaginación

El libro es:
·         Portador de ideas
·         Vehículo de comunicación
·         Estímulo de pensamiento

Un libro es el portador de las ideas de un ser humano para comunicarlas a todos los que quieran recibirlas, resultado de la investigación que ha realizado en campos muy diversos. A través de los libros se puede recibir todo un caudal experiencias, tan variadas como puede abarcar el ser del hombre.

Así se puede conocer:
·         Los fenómenos que se observan en la naturaleza
·         El mundo de los seres vivos
·         Las formas de vida en épocas y lugares distantes
·         Las crisis a las que se han enfrentado los seres humanos
·         La distribución de los distintos grupos humanos en la Tierra
·         La problemática de qué es el hombre y cual es el sentido de su estancia
·         La explicación de sus normas de conducta
·         Su sentido de sus valores también son expresados en los libros.

Para algunos, leer es: escapar de una realidad desagradable y en alas de la imaginación de ir a donde el libro nos quiera llevar. Las obras de ficción y las líricas pueden despertar diversos sentimientos, al sufrir y gozar con los personajes que ha creado un autor.

Todos los libros se expresan a través de palabras a esto se le llama expresión verbal. Según la forma como se acomoden las palabras, se pueden hacer dos grandes grupos en la expresión verbal: Verso y Prosa.
Una obra esta en verso cuando su lenguaje está ordenado según ciertas reglas y dividido en segmentos rítmicos, con regularidad de apoyos acentúales que según el esquema fijado por el autor se repiten en la sílabas tónicas (acentuadas) cada dos, tres, o cuatro sílabas.

En el verso pueden encontrarse todos o algunos de los siguientes elementos:
a) Metro, es la medida determinada en la poesía castellana y en otras
lenguas romances por el número de sílabas constitutivo de cada uno de los versos o segmentos rítmicos.
b) Rima es la igualdad o semejanza que hay entre los versos a partir de la última vocal acentuada.
c) Ritmo es elemento que busca una regularidad musical para producir un efecto estético.

El verso tradicional cuenta con los tres elementos, el verso blanco tiene medida y ritmo pero no rima y el verso libre sólo tiene ritmo. La prosa es uno de los conceptos más difíciles de definir, algunas personas dicen que prosa es lo que no es verso, pero no siempre es así, porque prosa implica una forma de expresarse organizada.

Prosa es una manera de organizar lo escrito sin una estructura métrica fija, que sigue un esquema rítmico de tensión y distensión, basado en el significado conceptual que puede tener o no expresión de emotividad.

El ritmo de la prosa es sintáctico o sea que depende de la combinación de los elementos de la oración: verbo, sujeto y complemento. Se hacen pausas y se marcan acentos sin que importe el número de sílabas intermediarias entre un acento y otro, o entre una pausa y otra. Cuando se escribe prosa las palabras se colocan una tras otra, tantas como quepan en un renglón. Se ponen puntos, comas y punto y coma según se vayan dando las ideas.

sábado, 23 de marzo de 2013

Apreciacion de la Pintura: Actor Danzante



OBRA:   Actor Danzante de Kiyotada.
CORRIENTE:       Realismo con elementos abstractos armonizados.
ESPACIO:            Bidimensional plano cerrado.
COLORES:           Predominan los cálidos.
TEMA:  Danza ritual.
ELEMENTOS:
  • ·         Actitud vigorosa, composición de líneas irregulares.
  • ·         LA línea quebrada da la impresión de dinamismo.

No es precisamente la mueca en el rostro, ni las insignias de las espadas que substituyen al abanico y la vara de la mujer danzante lo que ahora nos dice que estamos ante una danza enteramente diferente. Es la línea la que nos revela, un línea aguda e irregular que se interrumpe por otras líneas, así como las formas que se determinan caprichosamente, como a dentelladas, en vez de sinuosas y ondulantes. El todo de la figura también presenta esta misma delimitación a tarascadas. Aunque la palabra armonía sugiere siempre suavidad y gracia la verdad es que en el Actor Danzante hay algo así como una armonía de conflictos, aunque resulte paradójico.

Apreciacion de la Pintura: Danzante con Abanico y Vara




OBRA:   Danzante con abanico y vara de Kiyonobu (1664-1729)
CORRIENTE:       Realismo con elementos abstractos.
ESPACIO:            Tridimensional plano cerrado.
COLORES:           Predominan los colores cálidos.
TEMA:  Danza ritual.
ELEMENTOS:    
  • ·         El movimiento ondulatorio en las líneas y formas son una expresión de la danza.
  • ·         Los arcos se mueven hacia un punto en el que de inmediato se transforman en casi líneas rectas.

Los artistas japoneses y chinos perfeccionaron el valor expresivo de una composición bidimensional en la que el tema y la abstracción se vivifican mutuamente sin contradecirse. El movimiento sinuoso y sin embargo, consisten en las líneas y formas de La Danzante con Abanico y Vara son una expresión magnífica de la danza en sus fluctuantes momentos previamente estudiados.
Cada línea es importante, lo mismo si la vemos independientemente que si la consideramos parte de la totalidad. Los grandes arcos se comban hacia un punto en el que de inmediato se transforman en líneas casi rectas; una serie de rasgos como los que rodean la cintura, a primera vista dan la impresión de un apretado nudo que, al mirarlo con atención, se desenreda en un sistema perfectamente claro de elementos.
Si se hace la prueba de voltear la ilustración hacía abajo, cubriendo el rostro, el dibujo cesa de representar la figura de una danzante para convertirse en una composición puramente abstracta. Es un cambio total, pues la ondulación ahora sube hacia un clímax de formas pesadas. Volviéndola a su correcta posición, estas formas pesadas bajan sosegadamente hacia el límite inferior del cuadro y de ahí giran subiendo a través de otras más ligeras rumbo a la grácil cabeza.

Apreciacion de la pintura: La Dama Vestida de Azul



OBRA:   La dama vestida de azul de Matisse (1869-1954)
CORRIENTE:       Expresionismo.
ESPACIO:            Bidimensional plano cerrado.
COLORES:           Fríos y cálidos.
TEMA:  Cuerpo femenino.
ELEMENTOS:    
La figura es aplanada, resaltando un balanceo de curvas.
Cuerpo proporcionado aunque rompe la desproporción de las manos (es un elemento estabilizador).
La armonía se logra con la mano no como figura sino como un elemento estabilizador.
La frescura y la aparente simplicidad de la Dama Vestida de Azul nos hace pensar en una creación espontanea, fácilmente lograda. Las diversas etapas por las que pasó la obra. La Dama de Azul empezó siendo un cuadro casi realista, y como a través de varias transformaciones llegó a ser la obra que precisamente ahora vemos después de enérgicos reajustes sobre su forma y colorido.
Matisse ha desechado, con toda intención, los principios de la perspectiva, aprovechando el modo de pintar planiforme. La mano que sostiene el collar sorprende por su gran tamaño sin que de inmediato sea fácil aceptar su exageración. Pero si se tapa esta mano, se presentará un vacío. Concebida como mano resulta grotesca; pero no es una mano. Es un elemento en una composición de líneas, forma y color. Su extraordinario tamaño y su ostensible posición en el centro del cuadro hacen que sea el más importante elemento de su estabilidad en esta composición de curvas tan diversas.

Apreciacion de la pintura: Las Señoritas de Avignon




OBRA:   Las muchachas de Avignon de Picasso.
CORRIENTE:       Abstraccionismo (expresionismo abstracto).
ESPACIO:            Bidimensional plano.
COLORES:           Cálidos y fríos.
TEMA:  Figuras femeninas.
ELEMENTOS:    
 Hay ciertas figuras geométricas.
Empieza a representar la influencia africana.
Representa pureza y espontaneidad.

Para los criterios pictóricos de moda en 1907, es un cuadro ciertamente horroroso. Son feas las mujeres, no hay brillantes alardes técnicos; el dibujo es tan extravagante que no podemos decir ni siquiera dónde empiezan o dónde terminan algunas de las formas. Todo el conjunto parece no sólo inepto sino tal vez absurdo. Las Muchachas de Avignón es un cuadro enorme y representa un esfuerzo prodigioso para descubrir nuevos medios de expresión, no por el gusto de la novedad, sino para cambiar la finalidad y aumentar la intensidad del arte pictórico.
Si lo comparamos con El Estudio, pintado casi treinta años más tarde, podemos advertir que le falta seguridad y el agradable sentido de plenitud que posee este último, pero sigue siendo un cuadro de tremenda fuerza y vigor; si así no fuera, no continuaría impresionando, irritando o llamando la atención del espectador. Hay un defecto principal en las Muchachas de Avignón, que el espectador común capta de inmediato, mismo que impide que el cuadro sea agradable en sí: nunca podemos desprendernos del hecho de que se trata de cinco figuras femeninas excepcionalmente desagradables.

Apreciacion de la pintura: El Estudio de Picasso



OBRA:   El estudio de Picasso (1881-1973)
CORRIENTE:       Abstraccionismo (Cubismo)
ESPACIO:            Bidimensional cerrado.
COLORES:           Cálidos y fríos, predominando los primeros.
TEMA:  El artista trabajando en su estudio.
ELEMENTOS:    
Manejo de formas geométricas.
Unificación a base de verticales y horizontales.
Tiene elementos realistas (la armonía de la composición).

El Estudio, de Picasso tiene un paralelo tan estrecho con el de Vermeer que casi podría haberse pintado para demostrar como el de Vermeer puede ser traducido a términos abstractos. Ciertamente las similitudes son tan grandes como las diferencias. En el cuadro de Picasso, el pintor se encuentra de pie, hacia la izquierda, en tanto que el de Vermeer, se halla sentado a la derecha. Picasso construye la figura del pintor con unas cuantas líneas negras que juegan contra el campo luminoso de la tela frente a la que se está trabajando. La figura del pintor construida por Vermeer como una silueta oscura, juega también en cierto modo contra el campo cremoso en el cual ha empezado a trabajar. Ambos pintores sostienen sus pinceles en un momento de pausa. El “pincel”, en el cuadro de Picasso, es la breve línea diagonal en que termina “el brazo” que se proyecto horizontalmente hacia la derecha.

La “cabeza” del pintor es una larga forma oval gris a la que se sobrepone una forma blanca irregular con tres ojos dispuestos en fila vertical. Sea o no que haya sido ésta la intención del artista, podemos aventurar la idea de que el pintor se le ha dado este ojo extra como una especie de símbolo de una visión particularmente aguda y analítica desarrollada por un artista, a diferencia de la persona común que ve de un modo más ordinario.

Estos detalles tienden a aumentar la estrecha semejanza de los dos cuadros, aun tomando en cuenta la libre interpretación de los detalles en el cuadro de Picasso. Una última semejanza, la más importante, es que cada una de las composiciones se conjuga gracias a un elemento invisible, el acuerdo vibrante entre el pintor y su modelo. Con esto obtuvo un completa libertad para manejar las formas dentro del cuadro.

No requirió ni le importaron las verdaderas proporciones de los objetos ni de sus partes. Si en cuanto al dibujo o a la expresión, él quiere hacer una cabeza de tres cuartas partes del tamaño del cuerpo que la sostiene, puede hacerlo. Puede colocar dentro del área de su cuadro cada forma de modo arbitrario.
Picasso tiene su propia distorsión y no la de un sistema geométrico. El pintor abstracto argumentaría que el goce de un cuadro, como El Estudio, de Picasso, es más intenso porque es más puro que el goce que obtenemos con el de Vermeer. Disfrutamos más plenamente de la forma pura del color puro y del arreglo puro, en virtud de que estamos menos distraídos por detalles incidentales.

Mucha gente tiene la incómoda sensación de que el arte abstracto es demasiado fácil, porque el pintor no está obligado a demostrar un alto grado de habilidad. El cuadro de Vermeer, considerado sólo como artesanía, queda como una joya. Desde el punto de vista técnico y en sus detalles, es un cuadro extremadamente complicado; pero, en esta misma complicación hay un grado de seguridad que le es negado al pintor abstracto.

El cuadro de Picasso está tan simplificado, que cualquier relación defectuosa sería más notoria que en el cuadro de Vermeer. El Estudio está hecho con sutilezas. No caben en él elementos accidentales o no calculados. Ciertamente se requiere de tiempo y adaptación a las nuevas ideas para ver estos pormenores en la pintura abstracta; pero, el esfuerzo vale la pena si amplía nuestra capacidad de disfrute.

Apreciacion de la pintura: El Artista en su estudio.



OBRA:   El artista en su estudio de Vermner (1632-1675)
CORRIENTE:       Realismo (Barroco)
ESPACIO:            Tridimensional cerrado.
COLORES:           Predominan los cálidos.
TEMA:  Un artista trabajando en su estudio.
ELEMENTOS:    
La luz cae sobre la modelo (ventana).
Conexión psicológica entre el pintor y la modelo (la modelo posa para el artista y el artista la mira).
Elementos abstractos que unifican la composición.

En este cuadro de Vermeer las formas no deben ser observadas como siluetas planas, lo que sí es posible hacer en “La Madre de Whistler”. Esta pintura es una composición espacial. El pequeño mundo configurado cúbicamente se halla prodigiosamente contenido en sí mismo. No da la sensación de que los diversos objetos se hallen forzados en su sitio; por el contrario, su interrelación en el espacio es tan perfecta que, si quitáramos cualquiera de ellos, el sereno equilibrio del cuadro sería alterado. El ventanal llamaría fuertemente nuestra atención. Estaríamos tentados a seguir la mirada de la modelo hacía el imaginario mundo exterior, en vez de permanecer a gusto dentro del limitado espacio del estudio. Tendríamos igualmente la tentación de partir en dos mitades el cuadro, ya que la conexión psicológica entre el pintor y la modelo se habría debilitado. Esta conexión es como un elemento estructural que unifica la composición.

Apreciacion de la Pintura: Cruz Pintada




OBRA:   Cruz pintada del Maestro de la Leyenda de San Francisco
CORRIENTE:       Exprecionismo.
ESPACIO:            Tridimensional (casi plano) cerrado.
COLORES:           Predominan los cálidos.
TEMA:  La crucifixión.
ELEMENTOS:    
Existen cuatro escalas que descienden en orden de importancia:
Reservado a Cristo.
La Virgen y San José.
Los Ángeles a los extremos.
Los nombres mortales.
Las figuras son símbolos expresivos y no representaciones reales.

El cabello es tan convencional que no es posible imaginar que el pintor haya intentado algo parecido al realismo, y la oreja, sobrepuesta entre la cabellera y la barba da la impresión de un expediente de última hora. Y no hay empeño en una versión realista de las diversas figuras implicadas. Hay cuatro escalas, que descienden en orden a la importancia de la figuras. La mayor por supuesto, está reservada únicamente a Cristo; la Virgen y San Juan comparten la siguiente; los afligidos ángeles en los extremos de los brazos de la cruz, la inmediatamente inferior, y, en último término, al simple ser humano arrodillado a los pies de Cristo, se le da apropiadamente el mínimo de tamaño. Y la figura de Cristo que pudiese absurdamente concebirse como una imagen realista, cobra una realidad espiritual profundamente conmovedora.



Apreciacion de la Pintura: Cristo en la Cruz con Paisaje



OBRA:   Cristo en la Cruz con paisaje de El Greco (1541-1614)
CORRIENTE:       Expresionismo.
ESPACIO:            Tridimensional cerrado.
COLORES:           Fríos, cálidos pero opacos.
TEMA:  La crucifixión.
ELEMENTOS:     La figura no cuelga verdaderamente de la Cruz y no parece estar clavada en la tierra.

En su Cristo en la Cruz con Paisaje quiere ser él mismo el productor del misterio y del milagro inherentes a su versión de la Crucifixión; para serlo, debe apartarse de las apariencias reales. Como fondo, crea un espacio ultraterreno cruzado por formas ambiguas y luces sobrenaturales como jamás han existido sobre la Tierra. El Cristo de El Greco como un hombre existente, éste resultaría grotesco. Sin embargo, no sentimos la tentación de imaginarlo así, ni nos sentimos molestos porque la figura no cuelgue verdaderamente de la cruz, ni porque no aparezca verdaderamente clavada en ella, como sucede en el cuadro de Rubens. En el cuadro de El Greco, la figura parece más bien estar mágicamente suspendida, como si fuese ingráviada. Todo esto es real o semirreal, no es una simple escena de tortura sino un acontecimiento divino.


Apreciacion de la pintura: Cristo en Getsemani



OBRA:   Cristo en Getsemaní de El Greco (1541-1614)
CORRIENTE:       Expresionista.
ESPACIO:            Tridimensional cerrado.
COLORES:           Predominan los cálidos.
TEMA:  Cristo orando en el monte.
ELEMENTOS:    
·         La Tierra y el cielo están entrelazados por luces sobrenaturales.
·         La fluidez rítmica es destacada por luces sobrenaturales.
·         Las figuras se alargan en forma cónica que se arremolinan y retuercen en la intensidad de su esfuerzo ascendente.

Es sorprendente que Getsemaní y LA Noche de Estrellas empleen en la composición recursos similares. En ambos cuadros, las diversas formas están entrelazadas por ritmos que se arremolinan y corren y siguen sin interrupción entre el paisaje y el cielo, uniendo la tierra y el cielo en estática armonía. Ambas pinturas están pintadas con colores vivos. En ambas. La fluidez rítmica de la línea es destacada por luces sobrenaturales. Aun la distorsión en los cipreses es semejante a la figura de Cristo envuelto en su manto. Ambas figuras se alargan en formas cónicas que se arremolinan y retuercen en la intensidad de su esfuerzo ascendente. La composición del Getsemaní, de El Greco, es más compleja que la Noche de Estrellas; pero, el flujo principal de la línea que la une sin interrupción puede ser trazado en torno a la extraña forma que encierra a los discípulos dormidos, subiendo a lo largo del borde de la roca puntiaguda y luego a las nubes que llenan la parte superior derecha del cuadro.

Apreciacion de la pintura: Noche Estrrellada de Van Gogh


OBRA:   La noche estrellada de Van Gogh (1835-1890)
CORRIENTE:       Expresionista.
ESPACIO:            Tridimensional con figuras planas.
COLORES:           Fríos y cálidos.
TEMA:  Paisaje con una embravecida energía, tal vez exprese el caos interno.
ELEMENTOS:
  • ·         Está plena y conscientemente calculado.
  • ·         Los cipreses producen la sombra más dramática y contrastan con la Luna.
  • ·         La aguja de la Iglesia unifica la composición, primero como eco de la forma de los cipreses, y también interrumpiendo la línea insistente del horizonte.
  • ·         El movimiento violento de la galaxia se repite en dirección ascendente por la forma de los cipreses.
  • ·         El cuadro posee equilibrio, contraste, eco y fluidez rítmica.
  • ·         Su arte refleja un aislamiento individual.


Es una forma expresiva, inventada, muy lejana de la realidad física de cualquier forma que pudiese haberla inspirado. El movimiento violento de esta galaxia que atraviesa el cuadro, es repetido en dirección ascendente por los cipreses que brotan en el primer término como arrancándose ellos mismos para librarse de la tierra. Nuestro goce del cuadro proviene en gran parte de nuestro sentir la comunicación emocional directa del pintor. A pesar de que el cuadro es una revelación personal, habla también al observador en términos completamente claros.
El artista por supuesto, estaba plenamente consciente de toda la organización del cuadro, de su equilibrio, contraste, eco y fluidez rítmica. Es probable que la ejecución del cuadro haya sido rápida. Su acción es tan eficazmente directa y que es difícil creer que haya vuelto sobre cualquier parte de él.

Apreciacion de la Pintura: En la Barca de Manet



OBRA:   En la barca de Manet (1832-1883)
CORRIENTE:       Realismo (Impresionismo)
ESPACIO:            Tridimensional cerrado.
COLORES:           Predominan los colores fríos.
TEMA:  Un momento cotidiano (un momento de la vida).
ELEMENTOS:     Incrementa nuestra sensación de familiaridad y participación en el cuadro.

Es un cuadro dispuesto como si el tema hubiese sido captado por accidente, en una instantánea y como fragmento de una escena más grande. El efecto es incrementar nuestra sensación de familiaridad y participación en el cuadro. En armonía con esta composición aparentemente repentina, la técnica es esquemática. El toque rápido ha sido utilizado en los ojos y en lo demás rasgos, en los detalles de la indumentaria, particularmente en el sombrero y en el velo de la mujer y en la extensión del agua. Esta abordamiento es típico del impresionismo, una forma del realismo que es atractiva porque nos revela a menudo una cualidad idílica en lo ordinario de la existencia.
Algunos críticos y pintores, volviéndose profetas creen que el realismo tiene su flor final en el impresionismo y debe ahora dejar libre el camino mientras el pintor explora otros medios de expresar el mundo de la emoción y de la inteligencia

jueves, 21 de marzo de 2013

Taller de redaccion 1: Cualidades de la Redaccion.


 Cualidades de la redacción moderna:
Claridad, concisión, sencillez, precisión, adecuación, orden, originalidad, interés, actualidad.
Luis Núñez afirma que la claridad no consiste en decir lo que todos entienden fácilmente, sino en expresarse de tal modo que lo más difícil de comprender resulte accesible. Para él, escribir es una forma especializada de técnica comunicativa, nadie aprende a escribir en forma espontánea. De alguna manera se identifica como el texto más correcto gramaticalmente al que resulta más claro.

Estrategias de composición:
1.- Conciencia de los lectores. 2.- Planificar la estructura, la forma y el contenido, cuidando la entrada, el desarrollo y la conclusión. 3.- Releer. 4.- Corregir. 5.- Recursividad, consiste en la capacidad para introducir ideas nuevas y reestructurar el texto si es necesario. 6.- Relectura y corrección
El método de un escritor no es otro que el de su sensibilidad, su manera de percibir el mundo. El escritor requiere para cuidar la forma de sus textos de los siguientes libros como herramienta básica: una gramática, un buen diccionario, un diccionario de sinónimos, una ortografía. En lo relativo al cuidado del fondo se requiere un hábito de lectura estable y disciplinado.

Pasos para el análisis de textos
1.- Lectura. 2.- Resumen y reflexión sobre la impresión general. 3.- Re-lectura 4.- Análisis de la forma (fonética, ortografía, gramática) 5.- Análisis del fondo a; explicación del sentido o los sentidos (denotación y connotación) b; propuesta (estética, histórica, social, psicológica, etc.).
El acto crítico consiste primordialmente en la comparación de dos sistemas: el del texto y el del lector. Todo acto crítico tiene como objetivo: 1.- Comprender la obra, es decir, saber de qué se trata 2.- Determinar su estructura, saber cómo está construida 3.- Valorar, saber por qué nos produce un efecto estético, emotivo, etc.
A últimas fechas ha cobrado importancia la crítica hermenéutica que procede de la teoría de la recepción. En ella debe hacerse primero un análisis estructural (forma), después mediante el juego de la comprensión y la explicación se plantean conjeturas o preguntas al texto para llegar a una interpretación. Acto seguido se reflexiona sobre la interpretación para validarla y finalmente se asume la propia reflexión para asimilarla, es decir, apropiarse de la interpretación para producir un cambio en el propio horizonte y expandir la conciencia.
Según Harold Bloom, los escritores logran su ingreso al canon por la fuerza estética que se compone de: 1: dominio del lenguaje metafórico 2: originalidad 3: poder cognitivo 4: sabiduría 5: exuberancia en la dicción 

lunes, 18 de marzo de 2013

Taller de Redaccion 1: Lenguaje Literario


Lenguaje Literario
1: El criterio literario es esencialmente intuitivo
2: No todo lo escrito es literario
3: El lenguaje literario no debe entenderse como elocuencia, afectación, retórica o pedantería
4: Un escritor puede usar cualquier término, lo esencial es que sepa lo que escribe; debe estar enterado de su oficio y saber que su dicción es la justa, la necesaria.
5: El lenguaje literario es una especie de metalenguaje que va más allá de la particular matriz idiomática que lo produce.
6: El lenguaje literario no es algo substancialmente diferente del común, sino el uso extraordinario que se hace del mismo, algo que aspira a ir más allá de la comunicación inmediata y práctica, es algo que quiere trascender y perdurar.
7: El lenguaje literario es algo más que información. El escritor no sólo comunica, busca compartir sus vivencias.
8: En el lenguaje literario los silencios cuentan más de lo que suele creerse.
9: La literatura se ofrece como una forma particular de conocimiento. Vico hacía del lenguaje poético el inicio de toda forma de civilización. La poética recurre al lenguaje para producir una forma de conocimiento en la que sujeto y objeto, razón y emoción, realidad y ficción, se funden para dar lugar a una nueva forma de saber y de saberse en el mundo.

Literatura y conocimiento
El conocimiento literario no es un conocimiento contenido en los textos, sino que es mediado, es decir, no es una figura ya hecha que haya que buscar, sino que se desarrolla en el proceso de comprensión y puede ser captada de tantas maneras que cualquier cambio de visión de las cosas puede ser incluido. El conocimiento literario no se encuentra en los textos sino que es transmitido a través de ellos, lo que significa que la obra poética no es dicha sino mostrada. Con relación a lo que un texto quiere decir o significa, se pueden distinguir tres categorías: a) la referencia, indicación o alusión a objetos; b) la comunicación, el decir de contenidos y mensajes; c) la presentación, exposición de nociones generadoras de sentido.

Código Escrito
Los conocimientos que posee un escritor se pueden clasificar en los siguientes grupos:
1.- Adecuación: saber escoger la variedad y el registro (general / específico, formal / familiar, objetivo / subjetivo) apropiados para cada situación
2.- Coherencia: saber escoger la información relevante y estructurarla.
3.- Cohesión: saber conectar las distintas frases que forman un texto (puntuación, pronominalizaciones, conjunciones, tiempos verbales, etc.)
4.- Corrección gramatical: conocer las reglas fonéticas y ortográficas, morfosintácticas y léxicas de la lengua que permiten construir oraciones aceptables.
5.- Disposición del espacio: saber cómo debe presentarse un escrito (convenciones, márgenes, cabeceras, etc.)

Duelo despues de la Mascarada de Gerome




OBRA:   El duelo después de la Mascarada de Gerome (1824-1904)
CORRIENTE:       Realismo anecdótico.
ESPACIO:            Tridimensional cerrado.
COLORES:           Predominan los fríos.
TEMA:  Duelo entre jóvenes.
ELEMENTOS:    
·         Su intensión más que pictórica es narrativa.
·         Representa una anécdota conmovedora.
El Duelo después de la Mascarada de Gérome. El cuadro es una anécdota, y, aunque la anécdota pueda ser patética, el cuadro no es interpretativo. No aumenta ni intensifica nuestra experiencia. Nada, fuera de lo ya dicho, nos “dice” el cuadro, a no ser que diga, como ya lo sabemos, que cuando los jóvenes se enredan en un pleito después de un baile, alguien sale herido. En los disfraces de los jóvenes, hay un elemento de fantasía para embetunar el cuadro. Esto, en otras palabras es superficial. Los defectos del cuadro son típicos de la pintura académica del siglo XIX, esa pintura del artista popular y de éxito que gustaba a la gente porque no exigía nada y era fácilmente comprendida. Sin embargo, el hecho de que hagamos todas esas objeciones, no quiere decir que estamos insistiendo en que toda pintura debe ser una obra maestra. La pintura de orden secundario tiene también su lugar, siempre que no pretenda salirse de él.

Las Meninas de Velazquez



OBRA:   Las Meninas de Velázquez (1599-1660)
CORRIENTE:       Realismo (Barroco)
ESPACIO:            Tridimensional cerrado.
COLORES:           Cálidos.
TEMA:  Representa a una princesa de la corte española. Hay gran complejidad en la composición. Traduce la luz reflejada para dar la impresión de color.
Las Meninas. La pintura da la impresión de estar ejecutada con una minuciosidad realista, pero cuando miramos una sección de ella, descubrimos que no es así. Estamos frente a un nuevo tipo de visión realista. En contraposición a van Eyck, que hubiese pintado cada cabello en forma individual, Velázquez no pinta una sola guedeja, ni siquiera una masa definible. Velázquez no pinta el cabello; pinta la luz que refleja en la retina de su ojo una substancia que resulta ser cabello. Traduce esta luz reflejada a tonos pigmentados, dándonos solamente la impresión del color, de la textura y de la forma de la cabellera en términos de luz. En el otro lado del rostro, la línea divisoria entre la mejilla y el pelo es tan ligera que no puede ser determinada con precisión en algunas de sus partes –pero, nuevamente, nosotros la suplimos. Velázquez pinta la luz reflejada por un objeto a través de la distancia entre él y el objeto; no pinta lo que la imaginación o la inspección minuciosa le dicen que está ahí. Si hubiese estado pintando la ciudad que aparece en el fondo del cuadro de Van Eyck, la habría pintado con borrones y manchas, que es todo lo que el ojo puede ver de una ciudad a tal distancia. La belleza del realismo de Velázquez está en su consistencia. En sus cuadros, los objetos, a medida que se retraen a la distancia, van perdiendo su precisión, y, a medida que se acercan al primer plano, más acusadamente se definen; cada brochazo, cada tono, cada modulación del color está en perfecta relación –como un reflejo de luz– con todo lo demás.